在歐亞大陸的經緯交會之處，巴黎塞納河畔的細膩思辨跨越海洋，與臺灣這座充滿生命脈動的島嶼在藝術中重疊，當觀看的速度被刻意放慢，感知便在光與暗的交界處重新開啟。金車文藝中心偕手法國巴黎 Semiose 藝廊，共同策劃年度交流展「流光隙語」，匯集來自臺灣與法國的藝術家，透過不同文化與創作語言，展開對時間、影像與感知的多重探索。展覽跳脫地理與文化的傳統藩籬，讓視線聚焦於日常生活中那些被忽略的「縫隙」——在光影消長間、時間遞進中以及人與科技反思下，呈現著那些僅在最安靜的時刻才得以顯現的真實。

觀看的生成：影像與表層的重組

當代視覺經驗深受數位影像與邏輯影響，習慣快速掃視與即時理解的當下，我們逐漸失去停留的能力，藝術家則透過不同的創作方式打斷這種觀看慣性。一樓展區圍繞視覺經驗的再編碼，面對數位影像的全面滲透，游智涵試圖探討影像生成的邏輯，她反轉數位圖像以直接性繪製層疊的圖層、剪貼與覆蓋，轉譯為感性的視覺語言，使畫布成為與數位系統對話的場域。當繪畫模擬數位邏輯，創作便發展出相對回應科技的複合式路徑。而在影像的封閉性上，Amélie Bertrand 則呈現出不同的視覺特質，她的畫面具有高度的表面張力與人工質感，透過磁磚與工業紋理構築出幾近封閉的空間結構，觀看被阻隔於一層光滑的表皮之外，視覺失去穿透性也被迫停留在表面，精準對應當代影像文化中看似清晰、實則不可進入的平面現實。面對過載的視覺資訊，林瑩宣選擇以幾何結構建立秩序，他跳脫既有框架尋求理想狀態，透過壓克力顏料與刮板，在畫布上層疊出細膩的直線硬邊與色塊，巧妙運用互補色的碰撞，使視覺衝突轉化為和諧且俐落的繪畫語彙，引領觀者體驗減法邏輯，在純淨的結構中重新獲得呼吸的可能。

時間的痕跡：流動中的停留

二樓展區將視角轉向時間的異質性。 在這裡，藝術試圖對抗現代社會那種單一、線性的效率邏輯，轉而挖掘時間內部的褶皺。池枻龍將版畫從複製技術，轉化為關於勞動、制度與時間的思考方法。無形的版，並非對媒材的捨棄，而是對邊界的擴張——當版不再只是具體的物理介質，化為潛在的社會結構時，創作便成為對不可見秩序的顯影。他在多重媒材的交錯與疊合中，捕捉那份景物依舊的時間感，重新定義了版畫在當代語境中作為觀念載體的各種可能。陳立妍則專注於描繪那些被忽略的生命痕跡。在《吉光片羽》系列中，她刻意隱去鳥的成體，僅留下羽毛的重量與方寸，使生命脫離具象的角色與身分，回歸存在本身。光影不再是為了照耀萬物，而是構建出不需要敘事支撐的中立秩序。畫面中的生命可以被拆解、被遮蔽，能量可以是靜止甚至無用的，但這種處理恰巧對抗時間的功能性，強迫觀看停留在尚未被命名的瞬間，守護著生命在結構包圍下，那份內在的自在與自由。

Julien Tiberi 則從另一個角度切入時間的複雜性。受到量子糾纏概念的啟發，他的作品拒絕單一時間軸的敘事，更多的是多重狀態的共存。畫面中的元素彼此呼應卻不完全對應，形成持續游移的關係網絡。在這裡，時間不再是流動，是被展開、被分裂，甚至被同時經驗。Mathieu Cherkit 的室內場景，將時間轉化為一種近乎沉積的狀態。厚重的筆觸與重複的構圖，使日常空間呈現出歷史化的質感。這些看似平凡的場景，在反覆觀看之中逐漸偏離現實，滲透出既靜止又蘊含著時間積壓的重量。

身體的邊界：存在的張力

展覽的最終篇章，直指最核心、也最沈重的命題——人類本身。這是關於人類個體在當代語境下，如何面對內與外的衝突與壓制。來自法國的 Xie Lei (謝磊)，其作品總帶著令人不安的模糊感。他關注那些介於「睡眠與死亡」之間的中間狀態。色彩雖幽暗，內部卻湧動著強烈的能量。他的繪畫是一種對現代社會「即時性」的有力抵抗，強迫觀者的觀看速度放慢，在幽暗的筆觸中重新感知時間與能量的流放。Laurent Proux 則以強烈且嶄新的圖像語言，挑戰具象與抽象的二元對立。他將工業機械、被施加暴力的身體碎片與人工化色彩並置，構建出一種「身體—機器」的形象。在作品《The Shore》中，畫面的可讀性被刻意削弱，這是需要觀者以目光逐步探勘的智性謎題，讓人重新反思在政治、暴力與情感結構下的脆弱。

這種對人性的剖析，在臺灣藝術家翁榛羚的筆下轉化為直視內在荒誕的冷峻觀察，銳利且具穿透力的生命凝視。她巧妙運用銅版腐蝕與線香燒灼的特殊技法，在《撕心裂肺》或《小丑花》中創造出以「佝僂」形象為象徵的盲目群眾。對人性扭曲與歷史重演的揶揄，探索傳統美學的新樣態，是當代生存現狀的冷靜觀察與針砭。胡銜文的《時間切片》系列中，以寫實語彙捕捉了時間在靜動、存亡間的流轉軌跡。作品《穿梭》不僅是凝視，更是關於「瞬息與永恆」的哲學冥想。對他而言，藝術是從那條無聲、且不可回返的時間河流中撈起的殘影；透過這些層疊的片刻，他試圖在流動的生命中，形塑出對自我與世界的深刻理解。

「流光隙語」的展覽觀看路徑不再是單向，也不試圖給出明確的答案。它更像是開放的場域，由不同作品、經驗在其中交會，形成持續流動的對話。我們關注著作品之間的關係，也提供觀眾在其中經歷不同的觀看狀態。當影像變得越來越清晰，資訊變得越來越充足，是否仍保有尚未被填滿的感知空間？而這樣的空間，是否正是藝術得以發生的必要條件？走入展場，在光影流動與縫隙之間，放慢觀看的節奏。停留與移動之中，逐步建立屬於自身的感知方式，並在那些細微而短暫的瞬間裡，重新指認我們與世界之間的關係。

繼聯展「層現」對版畫媒材邊界的深化探索後，双方藝廊將於 2026 年 5 月 9 日至 6 月 20 日推出聯展「一刀兩斷」，呈現另一維度的思考。本次展覽匯集池枻龍、李屏宜、周佑貞、洪宇蕎四位藝術家，重新審視版畫中的「複數性」，將焦點由技術轉向觀念，探討「版」與「畫」之間的雙生關係，藝術家如何在創作中將無形之思轉化為可見實體。

展名「一刀兩斷」象徵藝術家在創作過程中的辯證與決絕：每一次刻下、每一層疊印，都是對無形理念的顯現。當代版畫的價值重心已從單純的產量擴張，轉向對行為、身體與思維密度的探討。藝術家們透過刻畫、堆疊與壓印，將腦中無形的概念轉化為具物質重量的作品。

李屏宜擅長木刻版畫，獨創的「鏡像風景」將原本隱身幕後的木版與紙本並置，展現出削去與堆疊之間的對話，風格細膩、色彩溫潤多變。周佑貞的創作源於對「無限性」的探索，她長期以「鯨落」作為主題，將其視為關於轉化、饋贈與時間性的隱喻，透過石膏版畫，她在與版面相符的巨大紙張上反覆壓印，以確保畫面完整轉印。洪宇蕎偏好水印木刻中獨特的媒材質地與不可控性，取材於自然界如溪流、雨滴等有機形體。她的印痕作品在製版壓印後，會加入縫紉的步驟，將感知經驗留下的刻痕與碎塊重新繪組，變為新的記憶。池枻龍則進一步將版畫轉化為觀念媒介，以「無形的版」為核心命題，探索如何印製出「無形卻可被意識到」之存在的可能，以此發展出兼具空間意識與裝置性的創作形式。

四位藝術家將版畫的「版」從傳統的製圖工具，轉化為其藝術思辨的體現。「一刀兩斷」不僅是對傳統製圖思維的告別，更是對版畫媒材形式與收藏邏輯的重新定義。當「版」與「印製」不再只是技術而是觀念的延伸，藝術家挑戰了原版與最終圖像之間的從屬關係，迫使觀者重新審視每一件作品背後所蘊含的思想密度與選擇的重力。

從「層現」對時間與身體性的關注，到「一刀兩斷」對版畫概念的探索，双方藝廊持續推進對版畫當代性的理解。本次展覽誠摯邀請觀眾參與這場關於藝術本質與當代觀念的對話，見證新世代創作者如何在精準的決斷中賦予版畫藝術新的生命力。